Sara Martin 
Las dos disputas centrales de la huelga actual del Gremio de Escritores de América contra la Alianza de Productores de Cine y Televisión están impulsadas por la tecnología: el auge de la transmisión y el papel desconocido que se avecina que desempeñará la inteligencia artificial en el proceso creativo. SAG-AFTRA puede entrar en huelga por preocupaciones similares.
Las innovaciones tecnológicas han estado en el centro de varias huelgas en la historia de Hollywood y han dado lugar a algunas de las semanas más largas en los piquetes. La pregunta ahora es si la huelga actual, que dura dos meses, será más difícil de resolver que las acciones laborales anteriores.
En 1946, cuando el cable coaxial unió por primera vez a Nueva York y Washington, DC, y dio origen a la red de televisión en la era de la posguerra, pocos, además de Lew Wasserman en MCA, eran lo suficientemente inteligentes como para comprender el valor del contenido reutilizable, como películas antiguas. En 1960, todos los demás se pusieron de moda. Ese año hubo dos huelgas, una de SAG (43 días) y otra de WGA (153 días), por las nuevas realidades económicas de la televisión: residuos y pagos por reposiciones y exhibiciones de películas producidas originalmente para su estreno en cines. Los gremios buscaron una estructura de pago para las producciones en el futuro y una indemnización para los miembros que trabajaron en películas antes del surgimiento de la televisión.
Veinte años más tarde llegaron dos huelgas más largas: SAG/AFTRA se hizo cargo de los carteles durante tres meses a partir del verano de 1980; la WGA pisoteó las aceras durante tres meses más la primavera siguiente. Los temas en cuestión eran los pagos y los residuos en los florecientes mercados de video doméstico y televisión de pago. Ambas eran tecnologías incipientes que crecían lo suficientemente rápido como para requerir pautas de compensación. A principios de la década de 1980, los estudios lucharon duramente contra la venta de equipos de video domésticos en un litigio que llegó hasta la Corte Suprema. No lograron detener las ventas de videograbadoras y el mercado de alquiler de videos domésticos se disparó, iniciando batallas por los residuos que continuaron durante décadas.
La televisión de pago, incluidos el cable y el satélite, era un negocio en crecimiento. La audiencia de cable y los ingresos correspondientes no coincidieron con los de su hermano mayor, la televisión abierta. Pero sus costos de producción más bajos y la magia matemática que permite a los canales de cable aumentar los índices de audiencia contando más de una transmisión de un episodio en comparación con la transmisión única de una cadena de transmisión ayudaron a nivelar el campo de juego. Para el cambio de siglo, las calificaciones de cable superaron las de las redes tradicionales. A pesar de las razones comerciales de Hollywood y Wall Street para diferenciar las plataformas, para la audiencia no hubo una diferencia significativa. A pesar del eslogan de HBO, para la mayoría de los espectadores todo era solo televisión.
Luego, Netflix usó la nueva tecnología de Internet para cambiar el contenido y el sistema de distribución. Su modelo basado en suscripción para películas y programas a pedido combinaba el mercado de alquiler de videos domésticos y la televisión paga. Netflix fue un David que mató a dos Goliat: primero llegó para Blockbuster, luego llegó para el cable premium. Netflix ni siquiera se definió como parte del establecimiento de Hollywood; fue un disruptor de Silicon Valley. No era el mundo del espectáculo, era “digital”. Como cualquier gran sistema centralizado, los estudios de Hollywood tardaron en responder a la revolución que se avecinaba.
La transmisión aún no era dominante cuando la WGA se declaró en huelga durante 14 semanas entre 2007 y 2008. Los grandes nombres del lado de AMPTP eran magnates ya desaparecidos como Les Moonves y Harvey Weinstein, no Reed Hastings de Netflix o Jeff Bezos de Amazon. Entre los argumentos se encontraba el problema continuo de los residuos de videos domésticos en el mercado de DVD. El término “nuevos medios” todavía se usaba para describir contenido que iba desde episodios web hasta videos y transmisión de YouTube. Los nuevos medios eran en 2007 lo que la IA es hoy: la aleta de un tiburón dando vueltas en el agua.
Cuando llegaron los programas originales exclusivos de transmisión en 2013, se produjeron de acuerdo con los acuerdos gremiales de 2008. Como una oferta digital basada en suscripción, Netflix (a la que se unieron en breve Amazon y Apple+) estaba pagando menos a los escritores debido a los residuos más bajos que la transmisión y el cable. Con las bajas tasas de interés de esa época, el dinero era barato y se podía crear más contenido para alimentar a los espectadores hambrientos. Sin anuncios para vender, no había necesidad de informar calificaciones que pudieran someterse al escrutinio público. Las métricas externas para el éxito fueron las reseñas de los críticos y el número de suscriptores que aumentaba, lo que hacía felices a los inversores de Wall Street. Todo el mundo se estaba haciendo más rico… excepto los escritores y otros talentos menos destacados.
Tres obviedades de Hollywood: primero, el mundo del espectáculo no es un esfuerzo altruista; es una empresa lucrativa para todos los involucrados. En segundo lugar, la nueva tecnología marcará el comienzo de nuevas oportunidades de producción y distribución de contenido. Y tercero, producir contenido depende del talento.
Vemos esto con la revolución del streaming: provocó un cambio sísmico en las consolidaciones de medios que generó una gran cantidad de ofertas competitivas de caras conocidas: Disney+ y Hulu, Peacock, MAX, Paramount+. Ahora, junto con lo que irónicamente podemos considerar los streamers “tradicionales”, los espectadores tienen muchas opciones y plataformas para elegir. Eso significa más competencia por los globos oculares y las ganancias; anuncios, promociones y calificaciones, lo que significa… ¡no toques ese dial amigos! La pequeña y valiente transmisión digital se ha convertido en algo que nadie pensó que sería: la televisión.
Hollywood ha demostrado ser un lugar adaptable. A lo largo de los conflictos laborales, su propósito principal se ha mantenido igual: producir y distribuir contenido de entretenimiento. La transmisión y la tecnología de inteligencia artificial han generado otra transición incierta, y aún no se ha revelado una nueva normalidad estable y rentable. Pero para producir contenido, siempre necesitarás creadores.
Como una estrella en un musical de la década de 1930 o un héroe en una película del oeste de la década de 1950, después de que Hollywood se ve afectado, siempre se las arregla para volver a la normalidad. ¿Y la mejor manera de hacer que todos vuelvan a trabajar? Pague a los creadores de contenido en consecuencia.
Jordan Beck es un ejecutivo de televisión, estratega de marketing de marca y escritor con más de 20 años de experiencia en la industria.
